André Bécot

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André Bécot a étudié à l’École des beaux-arts de Montréal et à l’Université du Québec à Montréal. Depuis 1970, il participe à de nombreuses expositions individuelles et collectives et il effectue de nombreux stages au Québec, aux États-Unis, en France et en Italie.

Dans la création de ses œuvres, il utilise à l’occasion les nouvelles technologies. Son travail actuel est concentré sur la représentation de symboles et d’icônes politiques, sociales et économiques. Enfin, depuis plusieurs années, il organise de nombreux événements dans le domaine des arts visuels, notamment pour le Club des collectionneurs en arts visuels de Québec et à l’Atelier Galerie Bécot.

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Barto

Barto 2021

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D’origine Française né en 1952 vit au Québec depuis 1968.

Autodidacte.

Je dessine depuis que je sais tenir un crayon.

M’intéresse à l’art numérique depuis que je sais tenir un ordinateur !

Accroché à mon crayon je surfe sur la vague de mon inconscient source de mon inspiration.

Le rêve et l’absurde sont mes fidèles compagnons de voyage.

L’imagination en est le véhicule qui carbure aux délires.

Le moment du départ est imprévisible, l’arrivée l’est encore moins….

Bienvenue à bord !

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Roger Fournier

Roger Fournier

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Parcours de vie et de création

J’ai fait des arts visuels; j’ai pratiqué la sérigraphie à l’atelier de Réalisations graphiques à Québec. J’ai vécu une expérience monastique à Saint-Benoît-du-Lac. Plus tard, j’ai étudié la théologie avec un mémoire sur l’icône, ce qui m’a amené depuis 20 ans à écrire des icônes selon la tradition. Un autre médium que j’aime, c’est l’aquarelle pour sa spontanéité et le travail sur le motif (paysage).

Histoire : Icône vient du mot grec eikov (image) et est venue à signifier l’icône sur bois, à motifs bibliques.

L’icône s’est développée en Orient, à Byzance devenue Constantinople, seconde capitale de l’empire romain avec l’empereur Constantin. Après le schisme de l’Église entre l’Orient (orthodoxe) et l’Occident (catholique), en 1154, l’Église orthodoxe va conserver l’art de l’icône.

Technique : Le support est une planche de bois recouvert de coton encollé et plusieurs couches fines de carbonate de calcium/ dessin/ pose de l’or/ pigments naturels dilués dans du jaune d’œuf et de l’eau. Symbolique et exemples : L’or symbolise la lumière divine. On pose les couleurs sombres pour monter de lumière en lumière. Vêtement du Christ : tunique rouge (divinité), manteau bleu (humanité). Liturgie et prière : Dans l’église, tout concourt à faire de belles célébrations, et l’icône y participe par sa recherche esthétique. Dans la maison, la famille orthodoxe réserve un espace pour la prière, avec icônes dit « coin de beauté ».

Le regard de tendresse : On parle de perspective inversée; les personnes de l’icône, le Christ, la Vierge, les saints(es), regardent le spectateur. La Vierge de tendresse (joue de l’enfant contre la joue de sa mère) exprime toute la tendresse divine envers chacun et chacune.

Réalisation d’icône : Au Québec, on réalise des icônes depuis plus de 40 ans.

Roger Fournier, 2021

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Alain LeBlond

Alain LeBlond

Alain LeBlond

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Né à Québec en 1957, où j’y vis encore, je suis fondamentalement musicien. Dès mon adolescence, je touche l’orgue à l’église de ma paroisse. La photographie et l’architecture me passionnent.

En 1975 j’entre au conservatoire de musique de Québec en orgue pour, par la suite, joindre la classe de composition où je fais la rencontre marquante de ma vie artistique en la personne de Pierick Houdy (grand prix de Rome) mon professeur qui dira de moi: « monsieur Alain LeBlond a été un remarquable élève de ma classe de composition au début des années 80. Il possède les qualités qui font les vrais musiciens: imagination, originalité de la pensée, technique d’écriture, humour, sans lequel l’art n’est qu’un système … Alain LeBlond est un excellent musicien. »

En 1984 parallèlement à mon travail de composition, je tente le monde des affaires. En 1989 je crée ma propre maison d’édition et découvre la gravure musicale informatisée. Je comprends très rapidement que l’ordinateur me permet aussi d’explorer les arts visuels. Je découvre ces nouvelles avenues et fais professionnellement du graphisme. Pendant ces années, je suis particulièrement à l’affût des avancements de la modélisation 3D et de la visualisation hyper réaliste virtuelle.

En 1996, suite à un court séjour d’initiation au « National Animation and Design Centre » de Montréal, j’ai l’opportunité d’acquérir des équipements logiciels 3D de très haut niveau. Je me consacre alors à cette pratique et cumule, en quelques années seulement, des dizaines de milliers d’heures d’utilisation pour devenir, de manière autodidacte, un virtuose de ces techniques.

Je me sens enfin libre d’exprimer mes fantasmes visuels et livre des œuvres tant imaginaires que réalistes d’une qualité et d’une finesse exceptionnelles en équilibre et en complémentarité avec mes compositions musicales.

Musicien compositeur, organiste, créateur en design virtuel, ébéniste à ses heures Alain LeBlond est un artiste complet.

Libre en pensée je vis par et à travers la création.

Alain LeBlond, mai 2017

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Carol Poulin

Carol Poulin

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Parcours de vie et de création

Carol Poulin vit et travaille à St-Augustin-de-Desmaures.

Après des études à l’Institut des Arts appliqués de Montréal en 1966, il obtient en 1971 un baccalauréat de l’École des Arts visuels de l’Université Laval.

Il est à la fois artiste peintre et restaurateur d’œuvres d’art depuis 1982. Sa carrière est jalonnée de nombreuses expositions individuelles et collectives et fut invité à plusieurs reprises comme conférencier sur le métier de peintre et de restaurateur.

Avec le cumul des années et la connaissance du métier, le processus de création est devenu le moteur de sa démarche, et l’improvisation s’est imposée comme outil de départ. Cette approche favorise l’imprévue, rend le geste urgent et provoque inévitablement le renouvellement de l’imagerie et du langage. L’abandon de la raison au profit du subconscient l’amène dans des lieux insoupçonnés, aussi loin que ceux de l’enfance.

Aucune technique n’est privilégiée, le choix se fait d’une façon instinctive. Réalisme, expressionnisme, surréalisme, abstraction… ces mouvements artistiques se manifestent dans sa démarche créative au cours des années.

L’abstraction lyrique serait peut-être une piste pour définir son travail actuel.

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Marie Rioux

Marie Rioux

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Ma démarche

Quelle que soit mon propos, l’atmosphère demeure une constante dans la conception de mes œuvres. J’aime créer des ambiances dramatiques où se mélangent territoires imaginaires et monde réel, suscitant ainsi plusieurs possibles… J’y mets en lumière, par leur esthétique accrocheur, certains détails urbains perdus dans ces immensités. Il s’en dégage un mélange d’immobilité, de mystère, de silence où l’Homme marche vers son ailleurs…

C’est dans la contemplation de mon environnement que je trouve l’inspiration. Au hasard de promenades, mon œil capte formes, lignes, couleurs saturées et les vibrations qui m’entourent et les enregistre en moi.

Une fois devant la toile ces éléments rejaillissent, se révèlent et forment ainsi la base de ma propre esthétique. S’ajoute à ceci l’influence de l’actualité mondiale, nourrissant le fil éditorial de mon travail. À travers ce langage artistique, je communique donc ma perception du monde actuel.

Par la composition, j’exprime mon émotion et s’entame conséquemment le dialogue avec l’autre. Dans mon univers pictural il n’y a pas de frontière entre figuration et abstraction. Ils s’intègrent l’un à l’autre. Mon langage plastique est principalement et profondément instinctif, intuitif et non conformiste. L’essentiel s’avère que mes tableaux projettent une certaine dualité, soient énigmatiques et ouverts à plusieurs lectures.

À l’atelier, au son d’une musique formant une bulle protectrice autour de moi, je choisis le format et les couleurs avec lesquels j’ai envie de travailler. Huile, acrylique, en ajoutant à l’occasion pastel et crayon… J’utilise les teintes monochromes pour produire un effet dramatique et accentuer le sérieux de mon propos quoique j’ai plaisir et facilité à mélanger les couleurs.

Je ne travaille pas en fonction des courants artistiques du moment ni du public et de ses attentes. À lui d’y trouver sa propre résonnance, sa signification, son plaisir. Mon propos répond avant tout à une nécessité intérieure indépendamment des modes.

L’œuvre, comme tout ce qui est vital, doit pouvoir évoluer.

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Klôdy Tremblay

Klôdy Tremblay

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Klôdy Tremblay, nature métamorphosée.
Je n’ai fait que pousser à l’extrême ce que vous n’osiez pousser vous-même qu’à moitié.
Dostoievski

L’artiste, native de Chicoutimi, nourrit depuis son enfance une passion dévorante pour la nature. Une nature animée par le flot d’un torrent déchaîné la métamorphose au gré des saisons. Amoureuses, libres, gipsys, bohèmes, fiévreuse ou radicale, des épithètes qui ne suffisent pas à la cerner. À la fois danseuse et musicienne, elle couche sur papier le vibrato d’un corps sonore, ses œuvres jazz ou flamenco en témoignent. Fruit d’une tension créatrice folle, ce tonus exalté de l’artiste se manifeste dans ses gestes spontanés ; des lignes vivantes aux contours gras. Cette fureur ne trouve aucune barrière. Chaque pas est à contrepoint d’un désir annexe d’émancipation. Son métronome se rythme à la cadence intime d’une fréquence inconnue. Klôdy Tremblay est une artiste multidisciplinaire qui a horreur des refrains. Certes, pour surprendre son élan créateur, elle n’hésite pas à tout laisser derrière pour déjouer sa propre palette. Elle est comme cette forêt renouvelée après l’incendie. Son point d’orgue a de cesse que le battement effréné d’un cœur de sprinter.

Michaël Lachance,
Critique et essayiste d’art.

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Gilles Bérubé

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Gilles Bérubé est né à St-Raymond en 1951. Il vit et travaille à Québec. En 1979, Il a obtenu un Bac général en cinéma, photographie et journalisme. La même année, il reçoit une bourse de deux mois à l’école de journalisme de Paris, rue du Louvres.

À son retour, il travaille comme photographe de plateau et puis caméraman sur différents films de fiction et documentaires et pour la radio-télévision des travaux de la chambre du Parlement de Québec. En parallèle, il monte une exposition de photos intitulé « Images du Québec » qu’il expose en galerie à Buenos Aires (1988), Mexico (1989), Caracas (1989), Québec (1989), Aix en Provence (1996) et à La Havane en 2003 en collaboration avec les Délégations du Québec et les Ambassades du Canada.

En 2007, il devient membre de l’association des artistes de Montauk, Long Island, et y présente ses œuvres pendant 10 ans dans un événement estival, « The Show on the Green ». Il profite également d’être sur place pour exposer son travail dans la galerie privée de Bonnie Lee Sanders, Upper East Side, Manhattan pendant la même période.(1)

En 2008, pour sa 40 ème expo, la galerie Wowy, à Manhattan, l’invite pour une nouvelle expo, « Manhattan insights ». En Janvier 2016, Waterside Café, situé sur le bord de la rivière East Side, Manhattan, ouvre ses portes avec sa dernière expo, « Going with the flow ». Puis, au printemps 2017, à Québec, à la galerie Sherpa, il rend hommage aux femmes avec des photos noir/blanc et couleur sous le thème « Femmes, vous… ».

« Gilles Bérubé a toujours eu un esprit curieux et un œil pour le visuel. Il observe quelque chose qui le touche et le capture d’une manière intime avec son Nikon. On ressent face à ses images, la joie, la beauté, la tristesse, la tranquillité, la compassion ou l’émotion qui l’habite. Ses photos uniques, souvent saisies dans le feu de l’action ou impulsivement dans l’observation de son environnement dépeint son énergie et l’aventure qui inspire sa vie.» Bonnie Lee Sanders.

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Renald Brisebois

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Mes nombreuses années en création ont en effet prouvé qu’aucune théorie n’arrive à bien cerner l’imaginaire. À vrai dire, l’expression tangible de l’imagination vient d’elle-même quand elle n’est pas trop réfléchie. Les meilleurs tableaux sont souvent l’œuvre de réflexions hétéroclites qui prennent formes à travers les médiums utilisés.

Créer des tableaux inspirés du quotidien et du rêve et entourés de symbolisme, de profondeur et d’humour.

Pour moi, la peinture c’est savoir s’exprimer sans les mots.

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Dorothée Couture


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Le geste qui commande le dessin est pour Dorothée Couture un acte impulsif et instinctif. Expression formelle de son inconscient, le résultat donne néanmoins l’impression d’un travail discipliné, de précision.

Au moyen de crayons feutres, pourvus d’une pointe fine, et d’une palette restreinte, dont le noir et le sépia (parfois avec une touche de couleurs plus vives), Couture mise sur une réalisation graphique ponctuée de figures identifiables qui surgissent à travers des lignes courbes aléatoires. Elle dessine, encore et encore, des lignes et des cercles, ses traits de crayon créant des formes apparemment de leur propre chef. Ils construisent un univers frôlant l’abstraction où la ligne se métamorphose peu à peu en une silhouette présentant certaines caractéristiques d’êtres humains. Les dessins qui en résultent sont dénués de toute critique du mouvement de la pensée.

Fascinée par le fait que tout prend vie lorsqu’on y ajoute les traits d’êtres humains, l’artiste accueille leur apparition dans ses œuvres pour exprimer sa réflexion au sujet du fait que nous sommes tous reliés et devons communiquer. Couture s’appuie également sur certains discours de la société actuelle, à savoir l’exclusion sociale et l’échange parfois difficile entre les gens, pour conceptualiser ce que révèle les figures qui se tournent le dos dans plusieurs de ses œuvres. En somme, elle affirme sa croyance en une conscience universelle qui relie tous les êtres au désir de communiquer et de comprendre la vie.

Comme l’artiste ne désire pas influencer l’interprétation du regardeur vis-à-vis ses œuvres, le choix du titre de ces dernières est laissé à la discrétion de l’acquéreur et sera identifié comme tel dans tout document officiel.

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Robert Delisle

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Artiste autodidacte multidisciplinaire
(sculpture, gravure, peinture).

Haïku 俳諧

harusame ya

monokatariyuku

mino tô kasa

Petite pluie d’avril ——

Deviser en marchant

Manteau de paille et parapluie

Yosa Buson 与謝蕪村 (1716-1784)

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Yang Feng 杨峰

Yang Feng 杨峰

Yang Feng 杨峰

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Yang Feng 杨峰 est né en 1959 à Changchun. Il est diplômé en arts de l’Université normale du Nord-est. Il est membre de la division design de l’Association des éditeurs ; membre du conseil d’administration de la Société des arts de la province de Jilin; éditeur en chef de la revue d’art “Jilin Pictorial – Le monde des Arts”; vice-doyen du département de l’édition des publications artistiques de l’Académie des arts de la province de Jilin; ainsi que chercheur associé de l’Académie des sciences sociales et des minorités ethniques de la province de Jilin.

Yang Feng est un spécialiste des encres de paysages et portraitiste. Ses encres taditionnelles mettent en évidence sa vision contemporaine, elles véhiculent une impression visuelle puissante qui convient tout autant aux goûts rationnels et que raffinés. Il a réalisé des tableaux de fleurs et d’oiseaux pour CCTV, la chaîne de télévision la plus prestigieuse de Chine. Ses œuvres de style traditionnelles lui ont valu la reconnaissance de son milieu.

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Micheline Fournier

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Parallèlement à mon emploi au journal Le Soleil, j’ai exercé différentes activités artistiques : expositions solos et de groupes au Québec et à l’étranger, participations à des publications d’art, performances, etc. Mes matériaux privilégiés sont l’encre et les crayons de couleur.

J’ai une prédilection pour les livrets d’artistes et j’en ai plusieurs à mon actif. Mon travail est en constante évolution et le dessin est mon moyen d’expression privilégié. Je vous invite à visiter ma page Micheline Fournier Artiste sur Facebook.

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Jacinthe Lagueux

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Née en 1959 à Saint-Frédéric- de- Beauce au Québec, Jacinthe Lagueux poursuit ses études en arts visuels au Cégep de Sainte-Foy puis à l’Université Laval, où elle obtient un baccalauréat spécialisé en arts visuels et en enseignement. Depuis, la sculpteure a fait du verre thermoformé son matériau de prédilection. Elle compte à son actif, quatre projets d’intégration de l’art à l’architecture et à l’environnement du programme 1% du Ministère de la Culture du Québec. S’ajoutent des expositions remarquées, individuelles et collectives, au Canada, aux États-Unis, en Europe et aux Émirats arabes unis. Cela sans oublier les honneurs remportés en Italie, en France, au Maroc, en Tunisie et en Espagne.

Fascinée par la luminosité de la glace et du verre depuis l’enfance, Jacinthe Lagueux explore la technique de la fusion et du thermoformage du verre. Cela sans négliger l’apport de divers matériaux tels l’aluminium, l’acier inoxydable, le cuivre (provenant de la toiture du Château Frontenac) , le bronze, le granit et la stéatite. Cela afin d’établir un dialogue entre les surfaces tantôt lisses et transparentes tantôt texturées et opaques. Ainsi, par moult éclats chatoyants des lumières, nous pouvons y lire une poétique flirtant avec abondance d’angles lumineux et lyriques. Ceci au profit d’une sublimation des formes désormais libérées des déterminismes de la matière par la lumière ambiante.

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Réjeanne Lamothe

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Réjeanne Lamothe est sociologue et vidéaste indépendante. Elle œuvre au sein de Atelier be-vidéo, une entreprise qui réalise depuis 2015 une filmographie sur les arts visuels dans la région de Québec.

Le 6 novembre 2017, le Club recevait Réjeanne Lamothe dans le cadre de la diffusion de son deuxième documentaire, Je suis un homme heureux , relatant le parcours du collectionneur Pierre Bilodeau. Préalablement, elle avait réalisé Je suis Guy Lemieux, peintre et Lissier. Ces deux documentaires peuvent être visionnés sur son site web www.be-video.info.

Cette fois-ci, le Club est honoré de recevoir Réjeanne Lamothe pour la diffusion, en première, d’un troisième documentaire, L’homme qui fait parler les toiles. Cette réalisation se veut un hommage à Carol Poulin, artiste bien connu à Québec, en équilibre entre la peinture et la restauration d’œuvres d’art.

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Jérôme Morisette

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Après des études en Biochimie et en Arts, j’entreprenais en 1974 une carrière dans le domaine de la conservation-restauration d’œuvres d’art et plus particulièrement de sculptures et d’objets métalliques.

Pendant plus de trente années, mes activités de restaurateur m’ont amené à intervenir sur diverses œuvres d’art public ainsi que sur des sculptures provenant de collections muséales ou encore de collections privées.

Cette carrière tout en étant connexe et parallèle aux Arts, m’avait cependant amené à mettre en veilleuse ma propre création artistique et ce n’est que depuis quelques années, que j’ai « humblement » repris ma production.

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Suzette Patry

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Suzette Patry est diplômée de l’École des Beaux-Arts de Québec. Elle a travaillé en illustration et en graphisme à l’Université Laval. Sa pratique artistique actuelle navigue entre l’abstraction et la représentation réaliste.

Ce louvoiement s’exprime par l’utilisation de crayons de couleur comme médium principal pour son travail. Ses dessins sont par la suite digitalisés et retravaillés à l’ordinateur pour en faire des estampes numériques. Elle ré-intervient sur les rendus avec des crayons ou autres médiums.

Souvent, elle se sert de ses estampes pour faire des collages sur toile ou sur bois; ce qui rend la majorité de ses œuvres, des pièces uniques. La nature et les émotions qu’elles génèrent en elle sont sa principale source d’inspiration. Le tout s’exprime par la couleur, les lignes et l’organisation de l’espace qui composent son monde imaginaire.

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Jing Xuan 静轩

Jing Xuan 静轩

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Jing Xuan 静轩 est un artiste et intellectuel chercheur reconnu, né en 1947 à Changchun en Chine. Dès le début de sa carrière il s’est consacré à la peinture traditionnelle chinoise ainsi que la peinture à l’huile, sous la direction du célèbre maître de la peinture à l’huile Yuan Yunsheng 袁运生, ainsi que du célèbre maître de la peinture traditionnelle chinoise, Guan Longdian.

L’une de ses particularités est l’intégration de caractéristiques de la peinture occidentale dans les peintures traditionnelles chinoises. Il s’inspire de la poésie et du charme de l’orient et de la culture chinoise dans ses créations. L’artiste possède une vision très étendue des arts visuels. Avec son sens de l’esthétique unique, il a travaillé pendant de nombreuses années dans le design moderne et a réalisé plusieurs grands projets pour diverses expositions internationales. Inspiré par de nombreux grands artistes et intellectuels chinois de différentes époques, ses créations artistiques, peintures, calligraphies et recherches théoriques démontrent une riche compréhension de la culture et des arts chinois.

Jing Xuan est un artiste engagé dans trois volets: la calligraphie, la peinture et la publication de recherches théoriques sur l’art. Il est chercheur associé à l’Académie des arts de la province de Jilin, membre de la direction de la Société d’étude “Rêve dans le pavillon rouge” de Chine (红楼梦学会). Il est peintre, calligraphe, théoricien et spécialiste reconnu en Chine de l’œuvre “Rêve dans le pavillon rouge”. Il possède une profonde compréhension et une riche connaissance de la culture et des arts chinois qu’il transmet dans ses œuvres. Il est actuellement éditeur exécutif de la revue “Jilin Pictorial – Le monde des Arts” en Chine.

L’artiste est mentionné dans le « Dictionnaire des calligraphes et des peintres traditionnels contemporains de Chine », dans le « Dictionnaire des artistes célèbres contemporains de Chine» ainsi que dans le «Dictionnaire des artistes contemporains en arts visuels de Chine »

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